El Prado desvela los secretos del gótico mediterráneo y el Trecento

El Museo Nacional del Prado, en colaboración con la Fundación BBVA, presenta una de sus apuestas expositivas más ambiciosas para la presente temporada estival. Bajo el título «A la manera de Italia. España y el gótico mediterráneo (1320-1420)», la pinacoteca madrileña abre al público una minuciosa investigación que altera las crónicas tradicionales sobre las influencias culturales en la Europa medieval. La muestra desvela cómo, un siglo antes del estallido del Renacimiento, los reinos hispanos se convirtieron en los primeros territorios occidentales capaces de asimilar, reformular y enriquecer las vanguardias artísticas nacidas en la península italiana.

Comisariada por Joan Molina Figueras, jefe de Colección de pintura europea hasta 1500 del museo, la exhibición reúne más de un centenar de piezas de una riqueza técnica excepcional. Los visitantes podrán contemplar pinturas sobre tabla, esculturas, manuscritos iluminados, orfebrería, dibujos y delicados tejidos de seda procedentes de 31 instituciones españolas y 25 prestadores internacionales. Todo este despliegue busca ilustrar el nacimiento de un lenguaje visual híbrido y de gran originalidad en el arco mediterráneo occidental.

Un puente cultural a través de los nodos del Mediterráneo

El relato de la exposición arranca demostrando que la revolución visual encabezada en Italia por genios como Giotto, Duccio, Simone Martini o los hermanos Lorenzetti no se quedó aislada. Gracias a la existencia de activos canales comerciales, diplomáticos y políticos a lo largo del mar Mediterráneo, las novedades estéticas del Trecento viajaron con rapidez hacia las cortes de las coronas de Castilla y Aragón. Los creadores autóctonos mostraron una sensibilidad y una receptividad tempranas ante la sofisticación técnica que llegaba del otro lado del mar.

Sin embargo, lejos de limitarse a una copia servil de los modelos italianos, los pintores y escultores de la península ibérica convirtieron el lenguaje trecentista en una auténtica herramienta de mestizaje. Figuras fundamentales como Ferrer y Arnau Bassa fundieron las líneas italianas con corrientes procedentes del mundo francés y de la tradición neobizantina. El resultado fue una síntesis estética singular que no existía en la propia Italia y que demuestra que las imágenes, al viajar, se traducen y se aclimatan a sus nuevos entornos.

El retablo monumental como gran innovación ibérica

Uno de los puntos fuertes de la muestra radica en analizar cómo los maestros hispanos alteraron los formatos y las intenciones de las obras originales. La gran aportación peninsular fue el desarrollo del retablo monumental, una colosal máquina escenográfica diseñada para presidir los altares y transformar por completo la experiencia de los fieles en los templos. En estos grandes conjuntos, pintores como los hermanos Serra, Pedro de Córdoba o Miquel Alcañiz aplicaron complejas técnicas polimatéricas.

En estas obras, el uso del pan de oro abandonó su función puramente decorativa para convertirse en un elemento de experimentación lumínica. Los pintores aprendieron a emular las texturas suntuosas de los brocados, las joyas y los tejidos de lujo de la época. Al mismo tiempo, convertían las superficies del retablo en un fondo dinámico capaz de absorber y modular la luz ambiental según la posición del espectador, generando una experiencia óptica y simbólica revolucionaria para el siglo XIV.

Un viaje de ida y vuelta que desafía la historia del arte

El tramo final de la exposición ofrece una tesis que rompe de lleno con la visión tradicional de que los reinos hispanos eran meras periferias receptoras. La última sección rastrea un viaje inverso: el impacto de la pintura ibérica en el propio suelo italiano. El eje central de este argumento lo encarna el maestro toscano Gherardo Starnina. Este pintor, tras pasar una larga y productiva temporada trabajando en las coronas de Castilla y Aragón, regresó a Florencia a comienzos del siglo XV.

A su vuelta, Starnina revolucionó los círculos artísticos florentinos introduciendo la libertad y el colorido del lenguaje tardogótico que había aprendido y madurado durante su estancia en Valencia. Este cruce de influencias demuestra que la permeabilidad cultural afectó a ambas orillas del Mediterráneo por igual. Las categorías estables de la historiografía clásica se difuminan para demostrar que la circulación artística generó respuestas plurales, donde el concepto inicial de crear «a la manera de Italia» acabó transformándose en producciones realizadas «a la manera de España».

Un intenso trabajo de restauración y actividades académicas

La puesta en marcha de esta cita cultural en el Museo del Prado ha llevado aparejada una laboriosa campaña de conservación profunda. Los talleres del Museo del Prado han restaurado un total de 21 piezas clave de la muestra. Mientras tres de ellas pertenecen a los fondos propios de la pinacoteca, las 18 restantes corresponden a préstamos de colecciones externas que arrastraban el deterioro del tiempo o modificaciones estéticas de siglos posteriores. Entre los trabajos más destacados se encuentra la recuperación del retablo de San Marcos y San Aniano de la Seo de Manresa, el políptico de la Virgen de la Leche de la Catedral de Córdoba y dos tallas escultóricas del santuario balear de Lluc.

La exhibición cuenta además con el respaldo de un libro de estudio monográfico redactado por Joan Molina Figueras, donde se profundiza en las biografías de creadores como Lupo di Francesco, Barnaba da Modena o Geri Lapi. Asimismo, el Museo del Prado complementará la divulgación del proyecto con la celebración de un congreso internacional de especialistas, que tendrá lugar en el propio auditorio del museo entre el 9 y el 11 de septiembre, ofreciendo un espacio de debate crítico sobre los intercambios artísticos en la Baja Edad Media.

• Espacio: Museo Nacional del Prado (Madrid).
• Fechas: Del 26 de mayo de 2026 al 20 de septiembre de 2026.
• Patrocinio: Fundación BBVA.

Te dejamos también la obra teatral de «Ícaro», en el Teatro Circo Price.